Noqanchik, 2023

Utilizar el transporte público en el día a día implica un ir y venir de rostros, voces, actitudes y sonidos, imágenes, andares, enfados, etc. El transporte público en Bolivia, específicamente en Cochabamba, está lleno de momentos interesantes, y sobre todo de sonoridades.
Un paseo en los viejos buses, que llegaron a este país hace más de 40 años, o en los llamados microbuses es la invitación de Noqanchik, que en quechua significa “nosotros”, a escuchar, escuchar y dejarse llevar por los sonidos. de los vehículos viejos y enlatados, por las voces que van y vienen, por las conversaciones y el paisaje sonoro que nace cada vez que te subes a un autobús o minibús.

Alejandra Canelas es psicóloga, locutora de radio, educadora y artista sonora. Practica psicoterapia feminista con mujeres y disidencias; y hace de la radio una forma de lucha, apostando por establecer diálogos sinceros, necesarios y reparadores. Ha participado en diferentes procesos creativos desde audiovisuales y sonoros.

Rimarispa Wakaswan, 2023

Colaboradora del programa especial de eventos que tienen lugar en La Paz, Bolivia.

Rimarispa Wakaswan o Hablando con las vacas es una propuesta para escuchar los diálogos interespecies que se dan en las tierras de cultivo de los valles de Pocona en Cochabamba, entre humanos y bueyes. La yunta, una tecnología agrícola, existe desde hace aproximadamente 5000 años, y llegó a estos territorios hace más de 500 años, junto con el ganado. Tomó algún tiempo para que la población local y estos animales hablaran el mismo idioma.
Hoy, la producción agrícola depende casi por completo de la yunta y de la lengua que la activa. Estas sonoridades no solo les permiten comunicarse, convivir y trabajar juntas, sino también transformar y componer el ecosistema sonoro que habitamos.

Lucia Herbas Cordero es bailarina-intérprete, historiadora y locutora de radio. Su obra habita el arte contemporáneo y la investigación-acción desde diferentes metodologías, formatos y experimentaciones. Sus preguntas y prácticas están atravesadas por la memoria, el cuerpo, la oralidad, el movimiento y la territorialidad. Ha sido parte de varios procesos de investigación y creación escénica, sonora y de artes vivas. Desde hace 12 años forma parte de proyectos comunitarios y autogestionados de contrainformación y radio, desde donde ha comenzado a explorar y reflexionar sobre el mundo sonoro. Tiene doble residencia (rural-urbana) como la mayoría de la población migrante de Cochabamba. Todavía cree en los espacios autónomos y en los vínculos y deseos que los sustentan.

De los labios a la luna, 2023

Las palabras vuelan de los labios y se balancean hacia la luna. todo el camino acumulando polvo. acumulando lujuria, amor, amnesia. En algún lugar del espacio, en la oscuridad total antes del amanecer, te das cuenta de que swavel no es una palabra, pero recuerda que maahi ro har vaght az aab begiri taazas, siempre que puedas ignorar el olor a pescado. cargadas de subfrecuencias, bilis, política, capital y monóxido de carbono, las palabras golpean la luna, formando cráteres, montañas y lechos de ríos vacíos.
From the Lips to the Moon es una colaboración entre Tara Fatehi y Pouya Ehsaei. Jugando con las sinergias de las palabras, las melodías, los idiomas y los ritmos, la música y el paisaje sonoro de Pouya se fusionan con la voz y las palabras de Tara para contar historias que no son historias con escalofríos y lenguajes medio familiares.
Pouya y Tara organizan From the Lips to the Moon como noches regulares de música y poesía en Londres, donde invitan a otros poetas, músicos y artistas visuales a unirse a ellos para crear presentaciones en vivo.

Tara Fatehi es una artista multidisciplinar, performer y escritora. Crea piezas poético-políticas a través de performance, texto, movimiento, video y voz. El trabajo de Tara juega con la ambigüedad, la mala traducción, la disyunción, lo inacabado y las narrativas desordenadas que se encuentran y se pierden en la vida cotidiana. Ha actuado en la Royal Academy of Arts, Nuffield Theatre, Nottdance, Chapter, Julidans y Montpellier Danse, entre otros. Centrándose en las interrelaciones de archivos y performance a través de su tesis doctoral (2020), Tara ha creado el proyecto y publicado el libro Mishandled Archive, dispersando 365 fragmentos de documentos familiares a través de la performance y la fotografía. En 2021, Tara fue la primera artista residente en los Archivos de las Naciones Unidas en Ginebra.

Pouya Ehsaei es compositor, diseñador de sonido y músico electrónico. Experimenta con diferentes técnicas de composición y síntesis de sonido para crear un pasaje sónico a través de paisajes sonoros hipnóticos, ritmos industriales, intrincadas miniaturas de sonido, paisajes sonoros épicos, ritmos poliméricos fractales y subfrecuencias pulsantes y contundentes. Es el líder del grupo de jazz electrónico Ariwo y el líder creativo de Parasang, una iniciativa que reúne a músicos de todo el mundo para crear conciertos improvisados únicos. Ha actuado en el Royal Albert Hall, Montreux Jazz Festival, Barbican Centre, Southbank Centre, Royal Academy of Arts, Womex, Womad y Fusion Festival, entre otros. Colabora regularmente con otros artistas en proyectos de danza, performance, videojuegos y cine.

Media ecologies in the Thunupa Saltflat /
Ecología de los medios en el Salar de Thunupa, 2023

Colaborador del programa especial de eventos que tienen lugar en La Paz, Bolivia

Un estudio de la tecnología de los medios, las redes de comunicación y la contaminación en el eje horizontal y vertical del paisaje del salar de Thunupa, y cómo esta herciosfera se propaga a través de los entornos habitados.
El salar es un vasto ecosistema que contiene más del 60% de las reservas de litio del mundo y un lugar táctico utilizado por militares, contrabandistas, turistas y satélites que calibran sus sensores debido a la superficie más plana y reflectante de la tierra. A través de un sistema de receptores de diseño propio para escuchar señales de radio de origen geogénico y antropogénico, la acción de escucha amplificó ecosistemas electromagnéticos naturales, humanos y tecnológicos en longitudes de onda que atraviesan la especie pero permanecen inaudibles.

Víctor Mazón Gardoqui es un artista que se enfoca en exponer lo inaudito y lo invisible, abordar lo inaccesible y experimentar la vulnerabilidad y la conciencia en el espectador. La percepción y los estados alterados son conceptos clave en las representaciones mediante el uso del sonido o la luz.
Su práctica artística explora la amplificación, los fenómenos electromagnéticos e imágenes de campos invisibles mediante el uso de audio locativo y electrónica personalizada. Su trabajo se materializa en tres campos principales: acciones o performances site-specific a través de procesos experimentales, exposiciones como consecuencia de acciones previas y trabajos colaborativos a través de seminarios para formar un diálogo comunitario.
Es un educador senior y un profesional que trabaja con hardware abierto y diseño de circuitos experimentales. Mazón Gardoqui investiga en hardware abierto en la RIAT y coordina talleres y formatos educativos en el dominio de los estudios de dispositivos y aplicaciones sensoriales experimentales. Su trabajo ha sido realizado o exhibido en museos, bienales, galerías, vallas publicitarias, pantallas urbanas y estaciones de radio/TV en África, Rusia, Nepal, América del Norte, Canadá, México, Bolivia, Colombia, Argentina, Uruguay, la Antártida y numerosos lugares en todo el mundo. Europa.

En contact avec l’eau (En contacto con el agua), 2019 / 2023

En contact avec l’eau (En contacto con el agua) es una pieza sonora que explora la intersección del sonido, el entorno y la experiencia humana. Fue producido durante las etapas iniciales de un taller de mapeo de sonido urbano dirigido por Abdellah M Hassak en el contexto de Ateliers Creatifs of Dar Bellarj con QANAT en marzo de 2019.
En colaboración con Amine Lahrach, el equipo realizó un pequeño experimento en la medina de Marrakech utilizando una caja de metal llena de agua a la que se conectaron dos micrófonos acústicos. El objetivo era capturar los paisajes sonoros acústicos de esta experiencia, ofrecer una experiencia auditiva participativa e inspirar a la audiencia a imaginar y desarrollar un sentido de agencia y pertenencia, que es indispensable para la imaginación política y estética. La pieza nos insta a reflexionar de manera diferente sobre nuestra relación con el agua y el mundo que nos rodea, destacando la importancia de la escucha activa, la empatía y la creatividad para desarrollar una comprensión más profunda de nuestro entorno.
La pieza se ha acortado de 30 a 15 minutos sin hacer ninguna elección política o estética, para hacerla más accesible en el contexto de un tiempo de escucha limitado.

Abdellah M.Hassak es artista sonoro, nuevos medios, productor musical y director artístico. Abdellah ha colaborado con numerosas instituciones y espacios culturales en Marruecos y en el extranjero en la práctica radiofónica y sonora. Lanzó la plataforma de sonido Radio y Archive Mahattat Radio. Como DJ y productor, Hassak produce y desarrolla música afrofuturista sincrética con grabaciones de campo. Bajo el nombre de Guedra Guedra, explora los polirritmos tribales y las innovaciones de las pistas de baile underground. Su álbum debut Vexillology fue revisado por Bandcamp, Resident Advisor, The Guardian, KEXP, Pitchfork y Mixmag. Hassak también es cofundadora de 4S’, una ONG marroquí que lleva el proyecto FeMENA, dedicado a la profesionalización de la mujer en el sector de la música electrónica.

The Singing Project, 2020-en curso

The Singing Project es una práctica colectiva y una escultura de canto. Invita a un cambio de atención hacia la conexión y co-crear un lenguaje comunal de sonido que se basa en sintonizar con el momento presente, escuchar y cantar intuitivamente. El proyecto comenzó en 2020 como parte de la exposición individual de artistas «Sympathetic Resonance» en Kunsthalle Osnabrück y actualmente está presente en el Museo Gropius Bau de Berlín, donde ha tomado varias formas, como talleres, reuniones y una exposición que se instaló como un partitura abierta e invitación a los visitantes a formar el espacio con sus voces. El proyecto transforma los museos en lugares de canto continuo pero, en última instancia, está arraigado y hecho para la vida cotidiana. Tiene el potencial de transformarse en muchos formatos y crear nuevos puntos de conexión, como esta pieza de audio para The Listening Bienal.

Ayumi Paul es una artista y compositora que trabaja con sonido, performance, ritual, papel, textil, cine e instalación. La interdependencia de todos los fenómenos es esencial para su práctica, que se dedica a escuchar y comprometerse con la no linealidad del tiempo.
Se formó como violinista clásica en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín y en la Universidad de Indiana y actuó en muchas de las principales salas de conciertos del mundo durante más de 15 años, mientras desarrollaba continuamente su enfoque multidisciplinario para explorar el sonido y la conciencia. El trabajo de Paul se presenta hoy principalmente en contextos de artes visuales y performativas, incluidos Kunsthalle Osnabrück (2016 y 2020), National Gallery Singapore (2018 y 2021), SFMOMA (2021), Villa Massimo (2021), Auditorium Parco della Musica (2022), Gropius Bau Berlín (2022).

Ópera de Kard (Mercado), 2023

La obra contiene 12 altavoces, en cada altavoz se reproducen los sonidos del kard o de los mercados locales del norte de Tailandia. Estos mercados tienen lugar una o dos veces por semana y son lugares de reunión donde personas de diferentes orígenes étnicos se reúnen, se comunican y comercian. Sin embargo, no veo el kard solo como un lugar donde se mezclan personas y culturas; también es un lugar donde se congregan cosas inusuales. Así, cada kard es una combinación de una partitura musical y una jamming session; son eventos que son únicos. Hice grabaciones de campo de 12 mercados en el transcurso de un año. Capturé los diversos sonidos y vibraciones de los mercados, desde el parloteo de la gente hasta el canto de los pájaros y el soplar del viento. Estos fueron editados, reorganizados y compuestos en una sola pieza musical. La obra es un conjunto que realiza una representación operística sociocultural del kard donde el público puede caminar o sentarse y escuchar.

Arnont Nongyao vive en Chiangmai (TH) – ciudad de Ho Chi Minh (VN) y es un artista interesado y enamorado de la vibración de las cosas. Le gusta escuchar todo lo que lo inspira a hacer arte sonoro experimental. El maestro más importante “el maestro Khvay Loeung” lo inspiró a escuchar y “destruirse a sí mismo de ser uno mismo”.
Algunas de sus exhibiciones seleccionadas incluyen la exhibición individual “Another Sound” en colaboración con Khvay Loeung, proyectos Sa Sa Art, Phnom Penh y Chiang Mai, Camboya – Tailandia (2018). y exposiciones colectivas “Opera of Kard”, Bienal de Singapur 2019, Singapur. “Currents 2019”, Phnom Penh, Camboya. “A Visiblelity Matrix”, The Secession 2019, Viena, Austria. Bienal de Arte de Bangkok 2018, Bangkok, Tailandia. “Postscripts” Bienal de Bangkok, Bangkok, Tailandia (2018). “Unstable(ry) Life”, 2016, Manif d’art, Quebec, Canadá. 16th Media Art Biennale WRO 2015: Exposición de prueba, Wroclaw, Polonia, TRANCE en Gallery VER, Bangkok, Tailandia (2014). PROXIMITY, parte de inSPIRACJE International en 13 MUZ, Szczecin, Polonia (2014).

En otro lugar, aquí, 2023-en curso

Bajo un cielo crepuscular, nubes de alas oscuras que salpican el cielo con su hipnótico coro… para desaparecer en la vida de seres aéreos, su ocupación de un parque de la ciudad, de repente.

Planetary Listening es un grupo de artistas e investigadores internacionales e interdisciplinarios, que se formó en Berlín en 2021 con la intención de pensar juntos en torno a preguntas como: ¿Qué podría significar escuchar más allá de lo humano? ¿Es posible reorientar nuestra percepción y comprensión de la voz y la agencia para extenderla hacia otras formas de vida? ¿Pueden las prácticas artísticas abrir caminos de convivencia y colaboración ecológica para nutrir futuros sostenibles e imaginarios planetarios? A través de formas compartidas de estudio, diálogo, investigación situada y trabajo creativo, el grupo explora lo que podría ser una ética planetaria.

Viento Sagrado, 2023

Colaboradora del programa especial de eventos que tienen lugar en La Paz, Bolivia

El “viento sagrado” de Bi Nandxó es el testimonio sonoro del impacto ecológico, económico y social generado por la afectación social, económica y ecológica generada por la construcción forzada de parques eólicos en el Istmo de Tehuantepec, Oaxaca, México. El aparato sonoro de exfoliación que escuchamos son las torres de energía eólica, torres de generación de energía eólica con el ruido del rotor de la turbina, la góndola, sus palas, sus silbatos rompiendo el viento, el motor, y sobre todo un zumbido, por encima todo un murmullo que se escucha a metros de distancia y que nunca, nunca cesa. Un sonido que los mayores no recuerdan y que se integró cuando llegaron los parques eólicos a esta zona.

Griselda Sánchez es Artista Sonora Ñuu Savi, Periodista y Productora de Radio Comunitaria. Desde hace más de una década realiza talleres para radios comunitarias específicamente con mujeres locutoras. Ha recibido numerosos premios de la Bienal Internacional de Radio y ha participado en diferentes Festivales Nacionales e Internacionales de Arte Sonoro de la radio nacional e internacional. Su pasión es caminar en los bosques, selvas y tierras altas. Mantiene una posición política y comunicacional en defensa de la vida. Es autora de los libros: La Línea; Relatos de la resistencia en Atenco (2010). Aire, No te vendas: La lucha por el territorio desde las ondas (2016), Hacedoras de estrellas (2022). Su investigación más reciente titulada Canto a la Lluvia; construcción de territorios sonoros, alteraciones y megaproyectos, es parte de su tesis para obtener el grado de Doctora en Desarrollo Rural en la UAM-X. Inmersa en un profundo proceso de reparación orgánica, mantiene un estrecho vínculo con la herbolaria y participa en un laboratorio de bioconstrucción y agricultura orgánica en San Agustín Etla, Oaxaca.

IYE Efface IYE Pi Once Si Tu Veux IYE Du Fousse, 2023

IYE Efface IYE Pi Once Si Tu Veux IYE Du Fousse es una pieza construida con 3 breves poemas sonoros atravesados por chispas de escombros vocales.

Alexandre St-Onge es un artista intermedia y un performer sonoro que explora la mutación del cuerpo performativo a través de sus mediaciones sonoras, textuales y visuales. Doctor Philosophiae (PhD) en arte (UQAM, 2015) y profesor asistente en l’École d’art de la Universidad Laval, está fascinado por la creatividad como un enfoque pragmático de lo inasible y ha publicado más de veinte obras y presentó su trabajo. a nivel nacional e internacional. Fundó éditions|squint|press con Christof Migone y trabajó con colectivos y artistas como: Marie Brassard, Simon Brown, Karine Denault, K.A.N.T.N.A.G.A.N.O., Lynda Gaudreau, Klaxon Gueule, kondition pluriel, Suzanne Leblanc, mineminemine, Line Nault, Jocelyn Robert , Second Regard, Shalabi Effect, undo et Unzip Violence, entre otros.

Sopa de parásitos, 2023

Comienzo Sopa de parásitos con las palabras en español, “algunos lugares siempre serán para nosotres, y otros nunca más lo serán. Allí donde el ritmo de nuestro cuerpo coincide con el ritmo del lugar, se sincroniza nuestra existencia.” (“algunos lugares siempre serán para nosotros, y otros nunca más lo serán. Siempre que el ritmo de nuestros cuerpos coincide con el ritmo de un lugar, sincronizamos nuestra existencia”).
Durante una conversación con el percusionista mexicano Jonathan Rodríguez, explicó su atracción por Douglas, Arizona / Agua Pietra, Sonora, la zona fronteriza donde creció y donde vive su familia. “Todo se mueve más lento”, dijo Jonathan, insinuando cómo el ritmo también era un concepto de lugar. Continuamos hablando, “tal vez el ritmo interno de uno se construye a partir del ritmo de un lugar cuando crecemos en él”. Luego, a medida que nos movemos a otro lugar, extrañamos estar sincronizados.
Sopa de parásitos da una serenata a los lugares que extrañamos, a los que nunca pertenecimos y a los que siempre perteneceremos. Decidí ralentizar la mayoría de las grabaciones que componen la pieza, incluida la percusión de Jonathan y el violín de Melika Hadžić, grabadas al aire libre en Francia en 2017. Melika y Jonathan dialogan con lugares capturados en grabaciones de campo que representan algunos de los ritmos que han crecido. en mi.
Parasite Soup invita a los oyentes a reducir la velocidad, una invitación especialmente extendida a aquellos rodeados de entornos urbanos acelerados como extranjeros o extraños, extrañando su conexión con lugares que crecían en ellos ritmos más fáciles, más tranquilos y más lentos.
Sopa de parásitos es parte de una serie de experimentos de audio producidos y transmitidos a través de mi proyecto Radio Parazit. Radio Parazit, «Parasite Radio», contiene y transmite mis exploraciones en torno a «Diasporic Imaginaries», creado inicialmente para Off-Site a través de indicaciones, debates, conexiones y ubicaciones. A través de una serie de transmisiones radiales experimentales, pienso y comparto en voz alta experiencias, pensamientos y esperanzas con material derivado de historias personales plasmadas en exploraciones artísticas y acústicas. Mi voz, sin embargo, no es singular. En cambio, sugiero una perspectiva singular de una constelación de voces que he encontrado a lo largo de los años. Estas voces han dado forma a la mía y han acortado la distancia entre los sujetos y lugares que construyen mi propia experiencia diaspórica en este mundo.

Nicolás Kisic Aguirre es un arquitecto y artista sonoro transdisciplinario que crea máquinas que exploran e iluminan la naturaleza social y política del sonido en el espacio público. Informado por su experiencia en arquitectura y una fascinación de toda la vida por las máquinas, Kisic Aguirre diseña y construye instrumentos de sonido que exploran la conexión entre el espacio público, el poder, la tecnología y el sonido. Su práctica crítica y estética es de código abierto, colaborativa y profundamente comprometida con el público.

Rechazar, 2023

REFUSE fue una exposición intermedia que se basa en las influencias pasadas y presentes de la banda, reuniendo sus intereses en hongos y redes de micelio para explorar las ideas gemelas de descomposición y composición desde perspectivas biológicas y musicales. La presentación comprendió un archivo y espacio de instalación basado en el tiempo, y habla de las metodologías en constante evolución de The Observatory, las comunidades que los rodean, así como el papel que desempeñamos en la escena musical de Singapur.
Una documentación en video que sirva como una especie de cuerpo fructífero de esta exposición y como una obra de arte propia se presentará para la presentación de la Bienal en Parola en Manila. El elemento sonoro del video comprende varios métodos de sonificación de hongos para ser percibidos como una narración entre especies, una especie de composición a través de la descomposición.
Por separado para la Bienal de Escucha, proponemos presentar la documentación de audio de una de las estaciones en REFUSE. En los viejos formatos de reproducción de audio (como las cintas de casete y los CD), habíamos observado que los hongos, en forma de moho, siempre habían hecho su presencia simbiótica con la cinta o el CD. Esta colaboración resultante con el audio grabado generalmente creaba una remezcla completamente nueva del material. En el medio digital actual, hemos excluido con bastante éxito la capacidad de colaboración de los hongos. Para este trabajo, adoptamos un enfoque especulativo para reintroducir la colaboración de los hongos con los medios digitales. Las señales bioeléctricas obtenidas de un frasco de hongos Ganoderma sp en crecimiento se enviaron a través de una lista de reproducción seleccionada de la discografía de The Observatory. Con esto, el hongo era libre de remezclar y pinchar esta lista de reproducción a su gusto ecléctico. Como la discografía de la banda abarca un período de más de 20 años con trayectorias de género variadas, se puede anticipar el contraste entre el ruido meditativo y el extremo.

The Observatory, lejos de ser silencioso y objetivo como sugiere su nombre, es una banda cuya música y espíritu cultural es responder y responder a las aflicciones contemporáneas en Singapur y el entorno global. Su constelación actual comprende a los multi-instrumentistas Cheryl Ong, Dharma y Yuen Chee Wai que pisan la improvisación, la experimentación intermedia y los territorios adyacentes al ruido. Al enfrentarse a nuevas formas de desórdenes, El Observatorio se vuelve inquieto sobre sí mismo para agitar, consolar y resistir. Basándose en léxicos antiguos y nuevos, El Observatorio busca unir artistas y expresiones. Dos décadas después, la práctica polímata de la banda abarca la música y la interpretación; festivales presenciales y programas de radio en línea; giras de conciertos y exposiciones interdisciplinarias.

Slopiewnie (con Anna Szwajgier), 2010

“Slopiewnie” se inspiró en las tradiciones eslavas de la noche del solsticio (Ivan Kupala night) y se realizó en colaboración con el grupo de estudiantes. La actuación se estrenó en el sitio del lago en Jelenia Góra y luego se representó en la sala vacía del centro comercial en Poznan, a la medianoche del solsticio de verano, como parte del Festival de Teatro de Verano de Malta. El público estaba sentado en la oscuridad, rodeado de veinte artistas. “Existe la creencia de que la víspera de Ivan Kupala es la única época del año en que florecen los helechos. La prosperidad, la suerte, el discernimiento y el poder le suceden a quien encuentra una flor de helecho. Por lo tanto, en esa noche, la gente del pueblo deambula por los bosques en busca de hierbas mágicas, y especialmente, la escurridiza flor de helecho. Tradicionalmente, las mujeres solteras, representadas por las guirnaldas en el cabello, son las primeras en ingresar al bosque. son para seguido por los jóvenes…”.

Nacido en 1980 en Cracovia, Polonia. Vive y trabaja en Berlín, Alemania. Sus obras funcionan en el límite entre la música y las artes visuales y están estrictamente relacionadas con la arquitectura. Ella colabora, a modo de directora, con músicos, actores y bailarines, y siempre también con miembros de las comunidades locales. Ha presentado sus proyectos a.o. en la Bienal de Arquitectura de Chicago (2019), Steirischer Herbst Festival (2019), Teatro Hebbel am Ufer en Berlín (2018), Festival CTM en Berlín (2020, 2018, 2015), Savvy Contemporary en Berlín (2017, 2016), De Appel en Amsterdam (2017), Heroines of Sound Festival en Berlín (2017), International Studio & Curatorial Program en Nueva York (2017), entre otros.
Entre 2004 y 2011 (antes de mudarse a Berlín) colaboró frecuentemente con la compositora Anna Szwajgier. “Nuestras composiciones eran puramente acústicas. No utilizamos ningún equipo electrónico ni amplificación de altavoces. En nuestra práctica estábamos explorando sonidos provenientes de la vida cotidiana: ruidos hechos por el cuerpo humano, objetos, aquellos creados involuntariamente al realizar actividades más o menos casuales como conversar, caminar, reír, masticar, suspirar, frotarse cosas entre sí. Lo que más nos interesó es cómo tales acciones, cuando son realizadas por un grupo de personas, cambian la calidad del sonido de lo obvio a lo indefinible. Cómo el timbre se convierte en un factor dominante. También utilizábamos muchos instrumentos atípicos, objetos que normalmente se utilizan para fines distintos a la producción de sonido: azadas, zapatos de tacón alto, bolas, tubos de plástico, cuentas…