2a  Edición de la Bienal Internacional de la Escucha

Bolivia, Beirut, Filipinas, Portugal, Alemania & Noruega

23 Países invitados

32 Obras sonoras
11 Artistas seleccionados por Bolivia
4 Curadoras de Filipinas,Líbano, Portugal y Bolivia
Casa de la Escucha, conversatorios, conciertos, experiencias y programas de radio

LA BIENAL DE LA ESCUCHA se centra en la escucha como capacidad relacional, propuesta filosófica y política, práctica creativa y marco de investigación. De la empatía radical a la escucha clandestina al envolvimiento íntimo, la escucha ejerce una fuerza creativa y crítica que puede contribuir a mantener la diversidad de nuestra aventura social.
Dentro del entorno intensamente polarizado de hoy, en el que el debate social y político a menudo tiende hacia el conflicto o el callejón sin salida…
¿podría la escucha representar una intervención?
Si bien el enfoque a menudo se centra en hacer declaraciones, capturar la historia y la importancia de la libertad de expresión, escuchar es radicalmente clave para facilitar el diálogo, la comprensión y la transformación social.
Escuchar es extender los límites de lo familiar, lo reconocido y lo conocido. Además, escuchar permite relaciones más igualitarias, descolonizadas y ecológicamente sintonizadas, asombrosos sistemas de exclusión y excepcionalismo humano a través de orientaciones empáticas, atencionales y más que humanas: escuchar más allá del esquema a menudo fijo del yo y el otro. Escuchar es un poder, puede abrir y sostener, puede apoyar y atender, y puede brindar escape y una amistad profunda.
Y, sin embargo, escuchar está muy infravalorado y descuidado en la sociedad.
Curaduría: Luísa Santos (Portugal), Rayya Badran (Líbano), Dayang Yraola (Filipinas) y Guely Morató (Bolivia).
Director artístico: Brandon LaBelle con Annette le Fort y Octavio Carmago; asesores curatoriales Budhaditya Chattopadhyay, Israel Martínez y Yang Yeung.
Artistas participantes:
Nicolás Kisic Aguirre (Perú); Rouzbeh Akhbari (Irán); Ayọ̀ Akínwándé (Nigeria/Reino Unido); Yara Asmar (Líbano); Aya Atoui (Líbano); Teresa Barrozo (Filipinas); Ariel Bustamante (Chile); Alejandra Canelas (Bolivia); Lucía Herbas Cordero (Bolivia); Silvia Rivera Cusicanqui (Bolivia); Tara Fatehi con Pouya Ehsaei (Irán/Reino Unido); Víctor Mazón Gardoqui (España); Ibelisse Guardia Ferragutti (Bolivia/Brasil); Sara Hamdy (Egipto); Abdellah M. Hassak (Marruecos); Hasan Hujairi (Bahrein); Igor Jesús (Portugal); Jason Kahn (Estados Unidos/Suiza); Dirar Kalash (Palestina); Arendse Krabbe (Dinamarca); Landra (Sara Rodrigues con Rodrigo Camacho) (Portugal); Yolanda Mamani Mamani (Bolivia); Mamoru (Japón); Sary Moussa (Líbano); Arnont Nongyao (Tailandia); Ayumi Paul (Alemania); escucha planetaria (Alemania); Bernardo Rozzo (Bolivia); Griselda Sánchez (México); Alexandre St-Onge (Canadá); El Observatorio (Singapur); Zorka Wollny (Polonia)
En Bolivia podremos disfrutar de una sala dedicada a la escucha con piezas de audio de los artistas mencionados más 4 sesiones especiales a cargo de Silvia Rivera Cusicanqui, Jorge Zamora, Bernardo Rozo, Ibelisse Guardia, Yola Mamani, Ariel Bustamante y Germán Lazaro.

 ¿Qué historias y sonidos elegimos escuchar?

¿Qué historias y sonidos decidimos ignorar?

¿Cómo es posible escuchar lo que ha sido sistemáticamente ignorado en la elaboración de las historias que se cuentan como verdades?

¿De qué manera los rituales y las prácticas de reciprocidad y mutualidad se hacen posibles y se enriquecen a través de la escucha?

¿En qué sentido se extienden dichos rituales y prácticas a través de mundos humanos y más que humanos?

¿Cómo fomentar una cultura de alfabetización acústica?

¿Cómo trabajar los gestos de atención acústica en contextos de crisis y emergencia?

 
“…si el punto de partida es la dignidad de todos, entonces esto conduce a una política dialógica, una política no de hablar, sino de escuchar, o, quizás mejor, de escuchar y hablar… No avanzamos diciendo a la gente qué hacer, sino preguntándoles qué están haciendo y qué se debe hacer».
Juan Holloway

LA BIENAL DE ESCUCHA reúne a una constelación internacional de artistas, músicos e investigadores participantes, así como instituciones y colectivos de diversas latitudes, para fomentar preguntas y experiencias de escucha.
Se concibe como un proyecto global y apunta a una estructura descentralizada donde pueden surgir resonancias compartidas y manifestaciones polivocales entre localidades.
Incluye el encargo y exhibición de obras de audio, performances experimentales y eventos discursivos alojados y presentados en instituciones y lugares colaboradores, donde se acentúa la escucha y la localidad,  donde las especificidades culturales contribuyen a una mayor ecología de la atención.
Desde la narración crítica, el ruido experimental y el éxtasis musical hasta el cuidado acústico, el contacto entre especies y los entornos de materia sonora
Tiene como objetivo fomentar un mundo de la escucha.

Rayya Badran

Residente en Beirut, escritora y traductora cuya práctica se centra en el sonido, la música y el arte contemporáneo. Sus escritos han aparecido en diversas publicaciones, como Bidoun, Ibraaz, Art Papers, Norient y The Wire, entre otras. Fue editora invitada de la publicación en línea del Centro de Arte de Beirut The Derivative en 2020 y comisaria y editora de Norient City Sounds Online Special: Beirut in 2022. Impartió cursos sobre arte contemporáneo y estudios sonoros en el departamento de Bellas Artes e Historia del Arte de la Universidad Americana de Beirut de 2014 a 2021 y es residente en Radio al Hara.
Rayya Badran_ Listening Biennial Bolivia

Dayang Magdalena

Nirvana T. Yraola

Dayang es licenciada en Estudios Filipinos y máster en Estudios Museísticos por la Universidad de Filipinas, y doctora en Estudios Culturales por la Universidad Lingnan de Hong Kong. Fue nombrada investigadora en el Centro LUHK de Investigación y Desarrollo Cultural desde 2020. Es profesora asociada en la Universidad de Filipinas, donde imparte cursos en el Departamento de Teoría, el Departamento de Artes de Estudio y el Programa de Estudios de Posgrado de la Facultad de Bellas Artes, y el Departamento de Musicología de la Facultad de Música. También es conservadora de la Galería de Bellas Artes. Fue archivera y gestora de colecciones del Centro de Etnomusicología hasta 2014. Como comisaria independiente, fundó y comisarió las series de proyectos artísticos Project Glocal 2011-2015 y Composite Noises 2015-2024. Su trabajo como comisaria se centra en el arte como práctica expandida que incluye residencias, actuaciones, exposiciones y archivos. Esto incluye la investigación sobre la ecología de las prácticas artísticas (iniciativas/colectivos de artistas, residencias artísticas y comunidades de prácticas sonoras).

 

Dayang Yraola listening biennial bolivia

Luísa Santos

Doctora en Estudios Culturales por la Humboldt & Viadrina School of Governance, en Berlín, y Máster en Comisariado de Arte Contemporáneo por el Royal College of Art, en Londres, Luísa Santos es Investigadora Asistente, en Estudios Culturales / Estudios Artísticos, desde 2016 en la Facultad de Ciencias Humanas de la Universidade Católica Portuguesa. Comisaria independiente desde 2009, realizó una investigación sobre prácticas curatoriales en el Konstfack, en Estocolmo, en 2013 y, desde 2019, es investigadora en The European School of Governance (EUSG), en Berlín. Es la directora artística del proyecto 4Cs: from Conflict to Conviviality through Creativity and Culture, que ha iniciado con un consorcio de 8 instituciones europeas en 2017. Luísa Santos forma parte de los consejos editorial y científico de las revistas Estúdio, Gama y Croma y del Yearbook of Moving Image Studies (YoMIS – Research Group Moving Image Kiel), Büchner-Verlag.
Luisa Santos listening biennial bolivia

Guely Morató

Desde 2014 funda y dirige Sonandes: Plataforma de Experimentación e Investigación, que organiza la única bienal especializada en arte sonoro de América Latina. Sonandes también desarrolla Puertos: Programa de Residencias de Creación (2018-2021-2023), publicaciones, laboratorios y exposiciones especializadas en arte sonoro y estudios de escucha. Codirigió INFRA: variaciones para cuerpo, espacio y sistema de subwoofer un proyecto con la comunidad sorda, que itineró por varias capitales sudamericanas durante 2018-2022. En 2020 comisarió la exposición online llamada Espaciario con ensayos multimedia de artistas bolivianos, colombianos, argentinos, chilenos y españoles. Durante 2021 fue la investigadora principal del equipo boliviano que participó en The Witness_Openlab, proyecto que forma parte del festival Sonic Matter especializado en sonido y deep-listing con sede en Suiza. Lidera el equipo boliviano seleccionado para realizar la residencia Alter en los Alpes suizos durante el verano de 2022. En 2020 dirigió el departamento de Expresiones Sonoras del Centro de la Revolución Cultural (CRC) de la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia (FCBCB). En 2019 dirigió el MediaLab del Centro Cultural de España en La Paz. Realizó curadurías por encargo como: Babel, relatos de la escuchan (2019), Cardioide (2019) Cartografía sonora colaborativa (2017). Comisarió cinco ediciones anteriores de Sonandes: Bienal de Arte Sonoro. Desde 2021 desarrolla Wak`a, un proyecto curatorial en el que participan artistas y especialistas de América y Europa.Explora metodologías alternativas para la investigación artística, la creación colectiva, así como la relación entre política, tecnología y género. Su trabajo se centra en el estudio de la percepción. Su obra se ha expuesto en diversos festivales y museos de América y Europa.
Guely Morato listening biennial bolivia

La Sala de la Escucha

En el Espacio Cultural de la Embajada de Brasil -AV. Arce 2732- podrán disfrutar de Martes a Viernes de 16:00-18:00h. hasta el 8 de Agosto la sala de la escucha con 32 obras sonoras de 23 paises

Entrada gratuita

Artistas y obras participantes de

La Sala de la Escucha

Rouzbeh Akbari

Perturbación: una historia especulativa del futuro(s) pasado, 2023

Una alucinación serpentina que tiene lugar en tres líneas de tiempo paralelas, conecta la geopolítica entrelazada del Estrecho de Ormuz con geografías muy distantes. Con historias contadas desde múltiples puntos de vista, Perturbation arraiga la geopolítica de la región de Ormuz en experiencias individuales de derecho, ciudadanía, emigración, colonialismo, cultura e historia.
Rouzbeh Akhbari (n. 1992, Teherán) es una artista que trabaja principalmente en videoinstalaciones y cine. Su práctica está impulsada por la investigación y, a menudo, existe en las intersecciones de la narración de historias, la investigación de archivos, los estudios de infraestructura crítica y la geografía humana. A través de un examen delicado de las violencias e intimidades que ocurren en los límites de la experiencia vivida y las historias construidas, Rouzbeh descubre las minucias del poder que reglamenta el mundo que nos rodea. Anteriormente se formó en escultura e instalación en la Universidad OCAD y tiene un título de posgrado en estudios visuales de la Escuela de Arquitectura, Diseño y Paisajismo de Daniel. Rouzbeh es actualmente un Ph.D. estudiante de la Escuela de Geografía y Planificación de la Universidad de Toronto y también la mitad de Pejvak, un dúo colaborativo a largo plazo con Felix Kalmenson.

Ayọ̀ Akínwándé

Mumu LP vol. 4: Protesta de todo el mundo, 2022

Una pieza de sonido de 12 pistas ensambladas a partir de jam sessions improvisadas representadas como respuestas artísticas a los sonidos de archivo de las protestas en todo el mundo en 2019.
Este proyecto sonoro lidia con la tensión incomprensible entre nuestra (in)capacidad de participación y nuestro anhelo de conexión y comprensión, en un mundo que se desmorona con una frágil relación entre poderosos y desposeídos. La pieza se armó a través de la colaboración de cinco músicos, trabajando con el saxofón, la batería, el contrabajo, la guitarra y el piano, y sentados en sus habitaciones de aislamiento durante la pandemia.
Fascinado por el “Año de las Protestas”—como los periodistas de todo el mundo llamaron a 2019—Akínwándé obsesivamente y conoció y recopiló cuidadosamente clips de noticias de manifestaciones que tuvieron lugar en todo el mundo, que luego combinó en una instalación con música recién compuesta.
El trabajo es la cuarta entrega del proyecto de investigación artística en curso de Akínwándé Archiving the Future. La serie, una interrogación sobre los compromisos políticos en el ámbito público, se inspiró en reuniones espontáneas y eventos políticos performativos en Lagos, donde el artista realizó grabaciones de audio y video de conversaciones que giraban en torno a las realidades sociopolíticas diarias para evocar intimidad y monumentalidad.

Ayọ̀ Akínwándé es artista, curadora, pensadora y escritora. Con una formación académica en Arquitectura, su práctica es multidisciplinaria, trabajando en medios basados en lentes, instalación, sonido y performance. Explora la dinámica del poder, la relación entre los «poderosos» y los «sin poder», tal como se manifiesta en las capas multifacéticas de la realidad humana.
Está interesado en el flujo de información en los discursos democráticos globales y cómo refleja las estructuras de poder existentes. Su proyecto en curso «Archiving the Future», un trabajo de investigación a largo plazo, consiste en recopilar y archivar capturas de pantalla de redes sociales y grabaciones de sonido de conversaciones en paradas de autobús en la ciudad de Lagos. Su serie de exposiciones a largo plazo «Power Show» crea monólogos y diálogos visuales sobre las realidades sociopolíticas de su sociedad a medida que incorpora procesos arquitectónicos en un detalle espacial y una sección de sus ideas y pensamientos, para evocar tanto la intimidad como la monumentalidad.
Akínwándé fue cocurador de la Bienal inaugural de Lagos, en 2017, y también fue artista participante en la exposición celebrada en el Museo del Ferrocarril de Nigeria. Fue seleccionado para la 2ª Bienal Internacional de Fotografía y Video de Changjiang, y formó parte de la exposición “Chinafrika-under construction” en el Museo de Arte Contemporáneo de Leipzig. En 2019 presentó exposiciones individuales en Nigeria, Escocia y Cuba para la XIII Bienal de La Habana.

Yara Asmar

17:04, 2023

Si el miedo se cuela tan fácilmente en los mundos fantásticos que nos protegen de los horrores de la vida real, ¿cómo cumplen estos pequeños universos su propósito original? ¿Y por qué las cosas que elegimos no escuchar siempre encuentran un camino a través de las grietas donde se pudren y se enmohecen? 5:04 PM es un ejercicio de siestas y despertar de ellas: un reconocimiento de cómo las cosas que desconectamos siempre encontrarán la vieja mecedora en nuestros áticos y se balancearán hacia adelante y hacia atrás violentamente hasta que el crujido sea ensordecedor. Grabé los sonidos de esta pieza utilizando un clavicémbalo antiguo, cajas de música programables, pianos de juguete deconstruidos, acordeón y metalófonos, a través de bucles de cinta y pedales.

Yara es músico y titiritero de Beirut, Líbano. Incorpora acordeón, metalófono, electrónica y piano de juguete preparado en su obra.

Aya Atoui

Anotando miedo, 2023

Lo que comenzó como un estudio psicoacústico se convirtió en una observación de respuestas somáticas generadas por sonidos de terror. Me interesé por la alquimia o la transmutación de la materia en las ciencias ocultas. En este contexto, las emociones oscuras como el miedo o las respuestas emocionales como el trauma tienden a tener la potencia necesaria para catalizar una transformación profunda. Podemos usar nuestro miedo y trauma en un proceso alquímico para sanar nuestras heridas y las heridas de los demás o hacer que este proceso alquímico nos empuje aún más hacia un abismo emocional. Esta es una partitura orquestada por el clima político, una partitura para el miedo y una oda a la alquimia.

Aia es, ante todo, una creadora de imágenes cuyo interés por el sonido alcanzó su punto máximo después de haber visto cómo el sonido alquimizaba la imagen una y otra vez. En sus observaciones de dicha alquimia, su estudio del sonido cae ahora en la orquestación de una narrativa sensorial a través de la polinización de la psicoacústica y el sonido emotivo.

Teresa Barrozo

quiero esto pero ||: esto no es lo que quiero :||, 2023

Quiero esto pero ||:esto no es lo que quiero:|| es una investigación sobre la naturaleza maleable, a veces fabricable, de la verdad. Originalmente exhibida como una instalación de sonido de dos salas para Pablo Gallery (Manila, Filipinas), esta versión se reelaboró para un solo espacio conservando la «trompa» (altavoz de bocina) y varios altavoces más pequeños que participan en una violenta cacofonía de palabras mutadas: Cierto, Buena hermosa. Para enfatizar aún más la naturaleza cíclica de la pieza, los oyentes están atados por las marcas de repetición musical que se encuentran en el espacio. También están invitados, con la adición de micrófonos de pie, a contribuir con sus voces en el zumbido del paisaje sonoro repitiendo las palabras que escuchan en sus propios idiomas, creando una cámara de eco literal. ¿Una verdad se vuelve más verdadera cuando es amplificada por muchos? ¿La repetición legitima la bondad y la belleza? Este trabajo es el resultado de una lucha personal contra el abuso de poder, agravada por la cultura filipina de revisionismo histórico y propaganda.
Teresa Barrozo (n. 1982, Filipinas) es una artista sonora, compositora y oyente curiosa con una amplia variedad de trabajo para el cine, el teatro y la danza. Sus composiciones se han presentado en los Festivales de la Liga de Compositores Asiáticos en Japón y Tailandia, y en las Semanas de Asia-Pacífico en Alemania. Sus trabajos de música cinematográfica han sido parte de los principales festivales internacionales de cine en Cannes, Venecia, Toronto, Locarno y Berlín, por nombrar algunos. Recibió el Premio Ani ng Dangal de la Comisión Nacional para la Cultura y las Artes de Filipinas y ha asistido al Programa Internacional de Pasantías Biosphere Soundscape. En 2014, se convirtió en miembro del Asian Cultural Council en Nueva York, donde se centró en el diseño y el arte sonoro, la interpretación y las prácticas sonoras contemporáneas en escucha, grabación de campo, ecología acústica, neuromúsica y composición de música electrónica e informática.
Influenciado por las nuevas prácticas en el arte contemporáneo, la tradición en la orquestación auditiva y la narración en el cine y el teatro, el trabajo sonoro actual de Barrozo se expande a varias disciplinas, a menudo explorando y exponiendo nuevas perspectivas en la cultura auditiva. Se interesa por el diálogo entre el sonido y el hombre mientras investiga la relación del hombre consigo mismo y con el entorno.

jason kahn

On Any Sunday, compuesta y grabada del 25 de marzo al 9 de abril de 2023

El título de esta composición hace referencia al hecho de que todos los sonidos utilizados aquí fueron grabados en varios domingos. La pieza comienza con una grabación de mi hija y su amiga jugando un juego de conteo común aquí en Suiza mientras viajábamos en un tranvía de regreso de un día en la piscina cubierta local. Al final de la pieza están contando de nuevo, pero esta vez porque les acababa de explicar que contando el número de segundos después de un trueno uno puede determinar a qué distancia ha caído un rayo. Fue un día muy lluvioso.
Las grabaciones del partido de fútbol también se realizaron un domingo, esta vez en el Estadio Letzigrund aquí en Zürich donde vivo. El estadio está justo al otro lado de la calle desde donde se encuentra mi estudio. Puedo escuchar claramente los partidos desde las ventanas de mi estudio, pero para estas grabaciones bajé a pie de calle para hacer las grabaciones, en medio de toda la afición rival, los antidisturbios y la gente que se iba a casa después del partido. No hubo disturbios en este día, afortunadamente.
Otros sonidos de la pieza fueron grabados en el laberinto de pasajes subterráneos debajo del edificio donde tengo mi estudio. Usé mi voz y movimiento a través de los diferentes pasillos y escaleras para explorar los espacios. Aunque he tenido mi estudio aquí casi tres años, solo descubrí algunos de estos lugares mientras grababa esta composición. A menudo prefiero estos entornos sonoros sucios, con muchos ruidos de fondo, como el zumbido de las máquinas, los sistemas de circulación de aire, el zumbido de las luces, el agua gorgoteando por las tuberías, etc.
Y por esta razón, cuando grabé la guitarra, la electrónica y el armonio, todo esto tuvo lugar en una pequeña habitación adyacente a mi estudio real, con las ventanas abiertas de par en par y todos los sonidos del domingo entrando a raudales. Casi se sentía como tocar al aire libre pero con la acústica preferida de un espacio cerrado. Incluí estos sonidos musicales más estándar porque la pieza no se trata solo de los sonidos ambientales que encontré en varios domingos, sino más bien de la idea del espacio social y cómo todos estos sonidos contribuyen a mi vida diaria. También espero demostrar que no debería haber jerarquía entre estos sonidos ambientales grabados y los sonidos que tocan mis instrumentos. Es toda una música cotidiana para mis oídos.

Nacido en 1960 en Nueva York, Jason Kahn es artista, músico y escritor. Vive en Zúrich. Kahn ha presentado sus instalaciones e intervenciones en espacios públicos a nivel internacional. Estos trabajos se centran en la idea de espacio: los puntos de unión conceptuales y físicos, su producción y disolución, y nuestra relación con él como medio político, social y ambiental.
Como músico electrónico, guitarrista, vocalista y percusionista, Kahn actúa como solista y colabora con otros en el contexto de la música libre improvisada. También ha compuesto numerosas piezas electroacústicas y partituras gráficas. Su trabajo se puede escuchar en más de doscientos lanzamientos. El trabajo escrito de Kahn ha aparecido en libros, revistas y como notas de portada para publicaciones de audio. Sus otras actividades incluyen lude piezas sonoras para radio, cine, danza y teatro. Varias escuelas de arte han invitado a Kahn a dar charlas y talleres, incluidas la Zürcher Hochschule der Künste, la École Supérieure d ́Art de Mulhouse, Cal Arts y la Universidad de Huddersfield.

Hasan Hujairi

10.000 pasos sencillos para dibujar perfectamente un caballo árabe, 2014

Los caballos han aparecido en obras de arte a lo largo de la historia. En el Golfo, los caballos árabes son objeto de miles de pinturas, fotografías y esculturas. Son los temas más populares para los artistas junto con paisajes y retratos de dignatarios. En este trabajo, Hujairi comenta las demandas de un artista en el Golfo de hoy, así como las metodologías de la educación artística. Mientras se sienta en un escritorio, se le ofrecen instrucciones escritas y herramientas para dibujar, se le indica que presione reproducir en un reproductor de mp3 y los auriculares comienzan a reproducir una composición de Hujairi. Escuchamos la voz de un niño (con acento de Khaleeji) instruyéndonos con una guía paso a paso para dibujar un caballo. Esta voz se yuxtapone al sonido del instrumento de cuerda martillado coreano, el yangeum, que el artista estaba estudiando en el momento de producir la obra mientras cursaba su doctorado en composición musical en Seúl, Corea del Sur. Esta ubicación de la voz sobre el instrumento refleja el cuestionamiento de la pedagogía del arte por parte del artista.
Este trabajo se presentó por primera vez (como una instalación/pieza sonora instructiva) en la Galería EOA (Londres, Reino Unido) entre noviembre de 2014 y enero de 2015 como parte de una exposición colectiva llamada NEVER NEVER LAND. El aspecto de solo sonido del trabajo también fue publicado en línea por Leonard Music Journal como parte de una selección curada por Lucas Ligeti en una serie llamada Sonic Commentary: Meaning Through Hearing.

Hasan Hujairi (n. 1982) es un artista, compositor y escritor bahreiní. Su trabajo a menudo explora la noción del forastero, confrontando superestructuras (historiográficas) y la naturaleza de construir narrativas dentro del tiempo. Tiene un DMA (Doctorado en Artes Musicales) en composición musical de la Universidad Nacional de Seúl (Seúl, Corea del Sur), donde investigó la reorientación de la narrativa asociada con la tradición del compositor inconformista para incluir más a los compositores que trabajan fuera de la tradición de la música clásica occidental. También tiene una Maestría en Economía de la Universidad Hitotsubashi (Tokio, Japón) en ecohistoria económica y economía regional, y escribió su tesis sobre la importancia de concebir la región del Golfo en sus dos litorales dentro de un marco historiográfico braudeliano. Se unió a Sharjah Art Foundation como gerente del departamento de música a principios de 2023.

Dirar Kalash

Resonancia sin asedio, 2023

La idea de esta pieza era trabajar en grabaciones sonoras de Gaza como un poder “invisible” que pudiera regresar, resistir, persistir y llegar a lugares donde supuestamente no puede. La mayoría de los sonidos de la grabación fueron tomados por diferentes personas que viven allí ya que ni yo ni millones de palestinos podemos viajar a Gaza.

Dirar Kalash (nacido en 1982, Palestina) es un músico y artista sonoro que trabaja en una amplia gama de prácticas y contextos. Su producción incluye álbumes en solitario y colaborativos, instalaciones sonoras, obras sonoras para radio y música para teatro. Kalash también es activo como investigador, educador y conferencista sobre diversos temas relacionados con el sonido y la música. Había actuado y mostrado en varios festivales y lugares de Europa y Palestina.

Igor Jesús

Fotogramas, 2023

Fotogramas es un cuerpo de trabajo que reúne dos archivos de imágenes y sonidos. Adoptando los principios tecnológicos de los sonares y los sintetizadores modulares, Igor Jesus creó un dispositivo, que funciona como prótesis de las imágenes dando voz a cada una en un protolenguaje. En este proceso, el artista especula sobre las posibilidades del sonido dentro de cada materia.

Igor Jesus (Lisboa, 1989) es Licenciado en Escultura por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa. Ha sido galardonado con el Premio Caixa de Jóvenes Artistas (2022) y el de Crear/sin/prisa, Cervezas Alhambra /ARCO (2019), y finalista en el EDP Nuevos Artistas (2017). Jesús fue artista en residencia en la Kunstlerhaus Bethanien (2017) con una beca de la Fundación Calouste Gulbenkian. Jesús expone regularmente, en exposiciones individuales como Banho Maria (Escola das Artes Porto, 2022); Clávier à Lumier (Rialto6, 2021); Cámara (Capela Carlos Alberto, 2020); Safelight (Gal. Filomena Soares, 2019); Strob (No Entulho/Artworks, 2019); Unidos a la Tierra (Kunstraum Botschaft, 2018); Antropofagia (Feria de Arte de Colonia, 2018); Te amo hasta los huesos (Gal. Filomena Soares, 2017); Liebe bis unter die haut (Künstlerhaus Bethanien, 2017) y Chessari (Solar Gallery, 2016), y también participa en varias exposiciones colectivas. Sus obras forman parte de diversas colecciones de arte públicas y privadas, como António Cachola, Fernanda Ribeiro, Fundação EDP, Norlinda e José Lima, Teixeira de Freitas e Associados, entre otras, en Portugal, España, Bélgica, Holanda y Brasil.

Arendse Krabbe

Los hablantes no humanos, 2023

¿Qué significa prestar atención a algo a lo que habitualmente no se le presta atención? ¿Cuáles son las fuerzas de la escucha? Me interesa la noción de escucha como devenir. Experimento y realizo ejercicios donde la escucha altera hábitos, posiciones y jerarquías entre humanos y no humanos. A través de la escucha mutua se fomentan nuevas relaciones y aparece otro mundo.
Gracias Jakob Kullberg, Ole Buck y Jenny Gräf Sheppard por su participación (en orden de aparición). Gracias Christine Krabbe y Elvermose Concert Hall por facilitar una grabación. Mezcla de sonido: Arash Pandi.

Arendse Krabbe (n. 1979) es un artista visual residente en Copenhague. Trabaja tanto individual como colectivamente siendo la escucha una práctica que sensibiliza. Krabbe escucha en un intento de abrir y habilitar espacios de diferencias, complejidades, movimiento y enredos. En este sentido, escuchar tiene el potencial de crear nuevos y otros colectivos a través de especies, sistemas, etnias y fronteras. Krabbe también es parte de The Bridge Radio, que es una plataforma de radio comunitaria en línea que hace radio sobre política migratoria, libertad de movimiento, luchas de migrantes, deportación y fronteras. El trabajo de Arendse Krabbe se materializa en audio, video, performance, texto, situaciones auditivas y obras de sitio específico en el espacio público.

Landra (Sara Rodrigues con Rodrigo B. Camacho)

La Gran Sucesión, 2022/23

Con la ayuda de un microscopio, Landra toma muestras y analiza una amplia variedad de tipos de suelo, buscando la forma en que los microorganismos interactúan consigo mismos y con su entorno. Entonces queda claro cómo diminutas criaturas invisibles e inaudibles producen el mismo entorno del que emergen las plantas y los animales. En ausencia de limitaciones, todos los biomas terrestres avanzan paulatinamente hacia convertirse en un bosque milenario. En un intento por comprender mejor nuestro propio lugar en este planeta, Landra pasa a sonificar la red de la vida al hacer evidente cómo, si no se ve obstaculizada, se expande en formas cada vez más complejas y diversas, a través de una sucesión de etapas ecológicas fijas.

Sara Rodrigues y Rodrigo B. Camacho se conocieron en Goldsmiths, Universidad de Londres mientras estudiaban composición musical y arte sonoro y, desde 2015, trabajan juntos. Sus proyectos toman las formas de composición audiovisual, performance, instalación e intervenciones en el espacio público. Están interesados en sistemas que perduran orgánicamente en el tiempo y el espacio; y responder con flexibilidad al cambio constante. Más allá de su carrera artística, la permacultura y la microbiología son campos en los que investigan y cuyos conocimientos aplican técnicamente en sus proyectos. Sara y Rodrigo viven en un lugar al que llaman Landra, nombre también con el que se conoce su práctica artística. El término se refiere concretamente a las bellotas que, en el noroeste ibérico, se erige como símbolo de autonomía, soberanía y autosuficiencia.

Yolanda Mamani Mamani

Colaboradora del programa especial de eventos que tienen lugar en La Paz, Bolivia

Yola Mamani Mamani, nacida en Santa María Grande, provincia de Omasuyos en el departamento de La Paz, Bolivia. Es estudiante de Sociología en la universidad pública, chola feminista, militante de Mujeres Creando, ex empleada doméstica asalariada y eternamente comprometida con este sector. Productora y conductora del programa “cuento q’ipi” que se transmite por Radio Deseo 103.3 FM, red social de Mujeres Creando. Productor del canal de YouTube “Chola Bocona”.

Mamoru

NUNCA SEA SIN VOZ – una reflexión sobre una voz colectiva, 2023

El artista se presenta a sí mismo y el título de la pieza y rápidamente se convierte en un monólogo del artista, que se teje con un intrincado paisaje sonoro hecho con una gran cantidad de grabaciones de diferentes proyectos y, parte de un trabajo terminado que nunca antes había sido publicado y grabaciones que ni siquiera fueron seleccionadas para ser utilizadas en ninguna pieza. Como la pieza revela la esencia de varios proyectos, todos los cuales tienen algo o ver con la idea de voz colectiva, se convierte en la voz colectiva de un artista y en una audio invitación a reflexionar sobre la idea de escuchar.

Mamoru nació en Osaka. Vive y trabaja en Bruselas y Shizuoka, Japón. Obtuvo B.F.A. (actuación de jazz) de la Universidad de la Ciudad de Nueva York en 2001 y M.F.A. (Investigación Artística) de la Real Academia de las Artes y el Real Conservatorio de La Haya en 2016.
La potencialidad de lo que uno puede experimentar y percibir a través de la escucha ha jugado el papel más significativo en la práctica artística de mamoru. A lo largo de su viaje de escucha, la gama de cosas/asuntos que se escuchan se ha ampliado desde los sonidos sutiles de la vida cotidiana hasta textos e imágenes que estimulan la imaginación sonora y las historias sin voz de los oprimidos. La investigación y el trabajo de campo a menudo tardan años antes de convertirse en un ensayo de rendimiento, conferencia, instalación, película o video. Los trabajos incorporan voz, discurso, texto escrito, subtítulos, grabaciones de campo, música y, a menudo, implican la colaboración con otros. Las apariciones recientes incluyen “ESTA probablemente NO ES UNA EXPOSICIÓN (entonces, ¿qué?) (Kyoto City University of Arts, Kyoto, 2022)”, “Amongst the Silence” (Museo de Bellas Artes de Kaohsiung, Kaohsiung, 2021), “Present Day in Times Past” (Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, Tokio, 2019-20), “Parallax Trading” (das weisse haus, Viena, 2019), “10th Yebisu International Festival for Art and Alternative Visions – Mapping the Invisible (Tokyo Photographic Art Museum , Tokio, 2018), “Estereotipos reinterpretados” (iCAN, Yogyakarta, 2017).

sary moussa

Recuperación, 2023

Esta pieza de sonido se basa en tres grabaciones de campo diferentes tomadas en varios lugares del Líbano y elegidas en función de sus propiedades sónicas: un rebaño de ovejas en el sur, un viaje en taxi en Beirut y sonidos de golpes en el metal dentro de la cúpula de Rashid Karame en Trípoli. Las tres grabaciones se utilizaron como material de origen, pero también como disparadores para impulsar sintetizadores y cajas de ritmos. Se construyó un sistema reactivo para responder a las grabaciones originales desencadenando una cadena de eventos y efectos generativos. La respuesta depende de las propiedades sónicas y dinámicas de cada material fuente. La sección de cuerdas es el único elemento fuera de este sistema.

Sary Moussa es un diseñador de sonido, productor e ingeniero activo en la escena underground y experimental de Beirut desde 2008. Su trabajo abarca desde música impulsada por drones hasta electrónica de pista de baile con un enfoque en diseño de sonido y texturas sónicas. Además de su trabajo en solitario, Moussa también ha compuesto música para espectáculos de teatro y danza, películas e instalaciones. Lanzó su primer álbum de larga duración Issrar (2014 en Ruptured) bajo el nombre de radiokvm y su último disco Imbalance (Other People – 2020 en Other People) como Sary Moussa.

Alejandra Canelas

Noqanchik, 2023

Utilizar el transporte público en el día a día implica un ir y venir de rostros, voces, actitudes y sonidos, imágenes, andares, enfados, etc. El transporte público en Bolivia, específicamente en Cochabamba, está lleno de momentos interesantes, y sobre todo de sonoridades.
Un paseo en los viejos buses, que llegaron a este país hace más de 40 años, o en los llamados microbuses es la invitación de Noqanchik, que en quechua significa “nosotros”, a escuchar, escuchar y dejarse llevar por los sonidos. de los vehículos viejos y enlatados, por las voces que van y vienen, por las conversaciones y el paisaje sonoro que nace cada vez que te subes a un autobús o minibús.

Alejandra Canelas es psicóloga, locutora de radio, educadora y artista sonora. Practica psicoterapia feminista con mujeres y disidencias; y hace de la radio una forma de lucha, apostando por establecer diálogos sinceros, necesarios y reparadores. Ha participado en diferentes procesos creativos desde audiovisuales y sonoros.

Lucía Herbas Cordero

Rimarispa Wakaswan, 2023

Colaboradora del programa especial de eventos que tienen lugar en La Paz, Bolivia.

Rimarispa Wakaswan o Hablando con las vacas es una propuesta para escuchar los diálogos interespecies que se dan en las tierras de cultivo de los valles de Pocona en Cochabamba, entre humanos y bueyes. La yunta, una tecnología agrícola, existe desde hace aproximadamente 5000 años, y llegó a estos territorios hace más de 500 años, junto con el ganado. Tomó algún tiempo para que la población local y estos animales hablaran el mismo idioma.
Hoy, la producción agrícola depende casi por completo de la yunta y de la lengua que la activa. Estas sonoridades no solo les permiten comunicarse, convivir y trabajar juntas, sino también transformar y componer el ecosistema sonoro que habitamos.

Lucia Herbas Cordero es bailarina-intérprete, historiadora y locutora de radio. Su obra habita el arte contemporáneo y la investigación-acción desde diferentes metodologías, formatos y experimentaciones. Sus preguntas y prácticas están atravesadas por la memoria, el cuerpo, la oralidad, el movimiento y la territorialidad. Ha sido parte de varios procesos de investigación y creación escénica, sonora y de artes vivas. Desde hace 12 años forma parte de proyectos comunitarios y autogestionados de contrainformación y radio, desde donde ha comenzado a explorar y reflexionar sobre el mundo sonoro. Tiene doble residencia (rural-urbana) como la mayoría de la población migrante de Cochabamba. Todavía cree en los espacios autónomos y en los vínculos y deseos que los sustentan.

Tara Fatehi con Pouya Ehsaei

De los labios a la luna, 2023

Las palabras vuelan de los labios y se balancean hacia la luna. todo el camino acumulando polvo. acumulando lujuria, amor, amnesia. En algún lugar del espacio, en la oscuridad total antes del amanecer, te das cuenta de que swavel no es una palabra, pero recuerda que maahi ro har vaght az aab begiri taazas, siempre que puedas ignorar el olor a pescado. cargadas de subfrecuencias, bilis, política, capital y monóxido de carbono, las palabras golpean la luna, formando cráteres, montañas y lechos de ríos vacíos.
From the Lips to the Moon es una colaboración entre Tara Fatehi y Pouya Ehsaei. Jugando con las sinergias de las palabras, las melodías, los idiomas y los ritmos, la música y el paisaje sonoro de Pouya se fusionan con la voz y las palabras de Tara para contar historias que no son historias con escalofríos y lenguajes medio familiares.
Pouya y Tara organizan From the Lips to the Moon como noches regulares de música y poesía en Londres, donde invitan a otros poetas, músicos y artistas visuales a unirse a ellos para crear presentaciones en vivo.

Tara Fatehi es una artista multidisciplinar, performer y escritora. Crea piezas poético-políticas a través de performance, texto, movimiento, video y voz. El trabajo de Tara juega con la ambigüedad, la mala traducción, la disyunción, lo inacabado y las narrativas desordenadas que se encuentran y se pierden en la vida cotidiana. Ha actuado en la Royal Academy of Arts, Nuffield Theatre, Nottdance, Chapter, Julidans y Montpellier Danse, entre otros. Centrándose en las interrelaciones de archivos y performance a través de su tesis doctoral (2020), Tara ha creado el proyecto y publicado el libro Mishandled Archive, dispersando 365 fragmentos de documentos familiares a través de la performance y la fotografía. En 2021, Tara fue la primera artista residente en los Archivos de las Naciones Unidas en Ginebra.

Pouya Ehsaei es compositor, diseñador de sonido y músico electrónico. Experimenta con diferentes técnicas de composición y síntesis de sonido para crear un pasaje sónico a través de paisajes sonoros hipnóticos, ritmos industriales, intrincadas miniaturas de sonido, paisajes sonoros épicos, ritmos poliméricos fractales y subfrecuencias pulsantes y contundentes. Es el líder del grupo de jazz electrónico Ariwo y el líder creativo de Parasang, una iniciativa que reúne a músicos de todo el mundo para crear conciertos improvisados únicos. Ha actuado en el Royal Albert Hall, Montreux Jazz Festival, Barbican Centre, Southbank Centre, Royal Academy of Arts, Womex, Womad y Fusion Festival, entre otros. Colabora regularmente con otros artistas en proyectos de danza, performance, videojuegos y cine.

Víctor Mazón Gardoqui

Media ecologies in the Thunupa Saltflat /
Ecología de los medios en el Salar de Thunupa, 2023

Colaborador del programa especial de eventos que tienen lugar en La Paz, Bolivia

Un estudio de la tecnología de los medios, las redes de comunicación y la contaminación en el eje horizontal y vertical del paisaje del salar de Thunupa, y cómo esta herciosfera se propaga a través de los entornos habitados.
El salar es un vasto ecosistema que contiene más del 60% de las reservas de litio del mundo y un lugar táctico utilizado por militares, contrabandistas, turistas y satélites que calibran sus sensores debido a la superficie más plana y reflectante de la tierra. A través de un sistema de receptores de diseño propio para escuchar señales de radio de origen geogénico y antropogénico, la acción de escucha amplificó ecosistemas electromagnéticos naturales, humanos y tecnológicos en longitudes de onda que atraviesan la especie pero permanecen inaudibles.

Víctor Mazón Gardoqui es un artista que se enfoca en exponer lo inaudito y lo invisible, abordar lo inaccesible y experimentar la vulnerabilidad y la conciencia en el espectador. La percepción y los estados alterados son conceptos clave en las representaciones mediante el uso del sonido o la luz.
Su práctica artística explora la amplificación, los fenómenos electromagnéticos e imágenes de campos invisibles mediante el uso de audio locativo y electrónica personalizada. Su trabajo se materializa en tres campos principales: acciones o performances site-specific a través de procesos experimentales, exposiciones como consecuencia de acciones previas y trabajos colaborativos a través de seminarios para formar un diálogo comunitario.
Es un educador senior y un profesional que trabaja con hardware abierto y diseño de circuitos experimentales. Mazón Gardoqui investiga en hardware abierto en la RIAT y coordina talleres y formatos educativos en el dominio de los estudios de dispositivos y aplicaciones sensoriales experimentales. Su trabajo ha sido realizado o exhibido en museos, bienales, galerías, vallas publicitarias, pantallas urbanas y estaciones de radio/TV en África, Rusia, Nepal, América del Norte, Canadá, México, Bolivia, Colombia, Argentina, Uruguay, la Antártida y numerosos lugares en todo el mundo. Europa.

Sara Hamdy Abdellah M. Hassak

En contact avec l’eau (En contacto con el agua), 2019 / 2023

En contact avec l’eau (En contacto con el agua) es una pieza sonora que explora la intersección del sonido, el entorno y la experiencia humana. Fue producido durante las etapas iniciales de un taller de mapeo de sonido urbano dirigido por Abdellah M Hassak en el contexto de Ateliers Creatifs of Dar Bellarj con QANAT en marzo de 2019.
En colaboración con Amine Lahrach, el equipo realizó un pequeño experimento en la medina de Marrakech utilizando una caja de metal llena de agua a la que se conectaron dos micrófonos acústicos. El objetivo era capturar los paisajes sonoros acústicos de esta experiencia, ofrecer una experiencia auditiva participativa e inspirar a la audiencia a imaginar y desarrollar un sentido de agencia y pertenencia, que es indispensable para la imaginación política y estética. La pieza nos insta a reflexionar de manera diferente sobre nuestra relación con el agua y el mundo que nos rodea, destacando la importancia de la escucha activa, la empatía y la creatividad para desarrollar una comprensión más profunda de nuestro entorno.
La pieza se ha acortado de 30 a 15 minutos sin hacer ninguna elección política o estética, para hacerla más accesible en el contexto de un tiempo de escucha limitado.

Abdellah M.Hassak es artista sonoro, nuevos medios, productor musical y director artístico. Abdellah ha colaborado con numerosas instituciones y espacios culturales en Marruecos y en el extranjero en la práctica radiofónica y sonora. Lanzó la plataforma de sonido Radio y Archive Mahattat Radio. Como DJ y productor, Hassak produce y desarrolla música afrofuturista sincrética con grabaciones de campo. Bajo el nombre de Guedra Guedra, explora los polirritmos tribales y las innovaciones de las pistas de baile underground. Su álbum debut Vexillology fue revisado por Bandcamp, Resident Advisor, The Guardian, KEXP, Pitchfork y Mixmag. Hassak también es cofundadora de 4S’, una ONG marroquí que lleva el proyecto FeMENA, dedicado a la profesionalización de la mujer en el sector de la música electrónica.

ayumi pablo

The Singing Project, 2020-en curso

The Singing Project es una práctica colectiva y una escultura de canto. Invita a un cambio de atención hacia la conexión y co-crear un lenguaje comunal de sonido que se basa en sintonizar con el momento presente, escuchar y cantar intuitivamente. El proyecto comenzó en 2020 como parte de la exposición individual de artistas «Sympathetic Resonance» en Kunsthalle Osnabrück y actualmente está presente en el Museo Gropius Bau de Berlín, donde ha tomado varias formas, como talleres, reuniones y una exposición que se instaló como un partitura abierta e invitación a los visitantes a formar el espacio con sus voces. El proyecto transforma los museos en lugares de canto continuo pero, en última instancia, está arraigado y hecho para la vida cotidiana. Tiene el potencial de transformarse en muchos formatos y crear nuevos puntos de conexión, como esta pieza de audio para The Listening Bienal.

Ayumi Paul es una artista y compositora que trabaja con sonido, performance, ritual, papel, textil, cine e instalación. La interdependencia de todos los fenómenos es esencial para su práctica, que se dedica a escuchar y comprometerse con la no linealidad del tiempo.
Se formó como violinista clásica en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín y en la Universidad de Indiana y actuó en muchas de las principales salas de conciertos del mundo durante más de 15 años, mientras desarrollaba continuamente su enfoque multidisciplinario para explorar el sonido y la conciencia. El trabajo de Paul se presenta hoy principalmente en contextos de artes visuales y performativas, incluidos Kunsthalle Osnabrück (2016 y 2020), National Gallery Singapore (2018 y 2021), SFMOMA (2021), Villa Massimo (2021), Auditorium Parco della Musica (2022), Gropius Bau Berlín (2022).

Arnont Nongyao

Ópera de Kard (Mercado), 2023

La obra contiene 12 altavoces, en cada altavoz se reproducen los sonidos del kard o de los mercados locales del norte de Tailandia. Estos mercados tienen lugar una o dos veces por semana y son lugares de reunión donde personas de diferentes orígenes étnicos se reúnen, se comunican y comercian. Sin embargo, no veo el kard solo como un lugar donde se mezclan personas y culturas; también es un lugar donde se congregan cosas inusuales. Así, cada kard es una combinación de una partitura musical y una jamming session; son eventos que son únicos. Hice grabaciones de campo de 12 mercados en el transcurso de un año. Capturé los diversos sonidos y vibraciones de los mercados, desde el parloteo de la gente hasta el canto de los pájaros y el soplar del viento. Estos fueron editados, reorganizados y compuestos en una sola pieza musical. La obra es un conjunto que realiza una representación operística sociocultural del kard donde el público puede caminar o sentarse y escuchar.

Arnont Nongyao vive en Chiangmai (TH) – ciudad de Ho Chi Minh (VN) y es un artista interesado y enamorado de la vibración de las cosas. Le gusta escuchar todo lo que lo inspira a hacer arte sonoro experimental. El maestro más importante “el maestro Khvay Loeung” lo inspiró a escuchar y “destruirse a sí mismo de ser uno mismo”.
Algunas de sus exhibiciones seleccionadas incluyen la exhibición individual “Another Sound” en colaboración con Khvay Loeung, proyectos Sa Sa Art, Phnom Penh y Chiang Mai, Camboya – Tailandia (2018). y exposiciones colectivas “Opera of Kard”, Bienal de Singapur 2019, Singapur. “Currents 2019”, Phnom Penh, Camboya. “A Visiblelity Matrix”, The Secession 2019, Viena, Austria. Bienal de Arte de Bangkok 2018, Bangkok, Tailandia. “Postscripts” Bienal de Bangkok, Bangkok, Tailandia (2018). “Unstable(ry) Life”, 2016, Manif d’art, Quebec, Canadá. 16th Media Art Biennale WRO 2015: Exposición de prueba, Wroclaw, Polonia, TRANCE en Gallery VER, Bangkok, Tailandia (2014). PROXIMITY, parte de inSPIRACJE International en 13 MUZ, Szczecin, Polonia (2014).

escucha planetaria

En otro lugar, aquí, 2023-en curso

Bajo un cielo crepuscular, nubes de alas oscuras que salpican el cielo con su hipnótico coro… para desaparecer en la vida de seres aéreos, su ocupación de un parque de la ciudad, de repente.

Planetary Listening es un grupo de artistas e investigadores internacionales e interdisciplinarios, que se formó en Berlín en 2021 con la intención de pensar juntos en torno a preguntas como: ¿Qué podría significar escuchar más allá de lo humano? ¿Es posible reorientar nuestra percepción y comprensión de la voz y la agencia para extenderla hacia otras formas de vida? ¿Pueden las prácticas artísticas abrir caminos de convivencia y colaboración ecológica para nutrir futuros sostenibles e imaginarios planetarios? A través de formas compartidas de estudio, diálogo, investigación situada y trabajo creativo, el grupo explora lo que podría ser una ética planetaria.

griselda sánchez

Viento Sagrado, 2023

Colaboradora del programa especial de eventos que tienen lugar en La Paz, Bolivia

El “viento sagrado” de Bi Nandxó es el testimonio sonoro del impacto ecológico, económico y social generado por la afectación social, económica y ecológica generada por la construcción forzada de parques eólicos en el Istmo de Tehuantepec, Oaxaca, México. El aparato sonoro de exfoliación que escuchamos son las torres de energía eólica, torres de generación de energía eólica con el ruido del rotor de la turbina, la góndola, sus palas, sus silbatos rompiendo el viento, el motor, y sobre todo un zumbido, por encima todo un murmullo que se escucha a metros de distancia y que nunca, nunca cesa. Un sonido que los mayores no recuerdan y que se integró cuando llegaron los parques eólicos a esta zona.

Griselda Sánchez es Artista Sonora Ñuu Savi, Periodista y Productora de Radio Comunitaria. Desde hace más de una década realiza talleres para radios comunitarias específicamente con mujeres locutoras. Ha recibido numerosos premios de la Bienal Internacional de Radio y ha participado en diferentes Festivales Nacionales e Internacionales de Arte Sonoro de la radio nacional e internacional. Su pasión es caminar en los bosques, selvas y tierras altas. Mantiene una posición política y comunicacional en defensa de la vida. Es autora de los libros: La Línea; Relatos de la resistencia en Atenco (2010). Aire, No te vendas: La lucha por el territorio desde las ondas (2016), Hacedoras de estrellas (2022). Su investigación más reciente titulada Canto a la Lluvia; construcción de territorios sonoros, alteraciones y megaproyectos, es parte de su tesis para obtener el grado de Doctora en Desarrollo Rural en la UAM-X. Inmersa en un profundo proceso de reparación orgánica, mantiene un estrecho vínculo con la herbolaria y participa en un laboratorio de bioconstrucción y agricultura orgánica en San Agustín Etla, Oaxaca.

Alejandro St-Onge

IYE Efface IYE Pi Once Si Tu Veux IYE Du Fousse, 2023

IYE Efface IYE Pi Once Si Tu Veux IYE Du Fousse es una pieza construida con 3 breves poemas sonoros atravesados por chispas de escombros vocales.

Alexandre St-Onge es un artista intermedia y un performer sonoro que explora la mutación del cuerpo performativo a través de sus mediaciones sonoras, textuales y visuales. Doctor Philosophiae (PhD) en arte (UQAM, 2015) y profesor asistente en l’École d’art de la Universidad Laval, está fascinado por la creatividad como un enfoque pragmático de lo inasible y ha publicado más de veinte obras y presentó su trabajo. a nivel nacional e internacional. Fundó éditions|squint|press con Christof Migone y trabajó con colectivos y artistas como: Marie Brassard, Simon Brown, Karine Denault, K.A.N.T.N.A.G.A.N.O., Lynda Gaudreau, Klaxon Gueule, kondition pluriel, Suzanne Leblanc, mineminemine, Line Nault, Jocelyn Robert , Second Regard, Shalabi Effect, undo et Unzip Violence, entre otros.

Nicolás Kisic Aguirre

Sopa de parásitos, 2023

Comienzo Sopa de parásitos con las palabras en español, “algunos lugares siempre serán para nosotres, y otros nunca más lo serán. Allí donde el ritmo de nuestro cuerpo coincide con el ritmo del lugar, se sincroniza nuestra existencia.” (“algunos lugares siempre serán para nosotros, y otros nunca más lo serán. Siempre que el ritmo de nuestros cuerpos coincide con el ritmo de un lugar, sincronizamos nuestra existencia”).
Durante una conversación con el percusionista mexicano Jonathan Rodríguez, explicó su atracción por Douglas, Arizona / Agua Pietra, Sonora, la zona fronteriza donde creció y donde vive su familia. “Todo se mueve más lento”, dijo Jonathan, insinuando cómo el ritmo también era un concepto de lugar. Continuamos hablando, “tal vez el ritmo interno de uno se construye a partir del ritmo de un lugar cuando crecemos en él”. Luego, a medida que nos movemos a otro lugar, extrañamos estar sincronizados.
Sopa de parásitos da una serenata a los lugares que extrañamos, a los que nunca pertenecimos y a los que siempre perteneceremos. Decidí ralentizar la mayoría de las grabaciones que componen la pieza, incluida la percusión de Jonathan y el violín de Melika Hadžić, grabadas al aire libre en Francia en 2017. Melika y Jonathan dialogan con lugares capturados en grabaciones de campo que representan algunos de los ritmos que han crecido. en mi.
Parasite Soup invita a los oyentes a reducir la velocidad, una invitación especialmente extendida a aquellos rodeados de entornos urbanos acelerados como extranjeros o extraños, extrañando su conexión con lugares que crecían en ellos ritmos más fáciles, más tranquilos y más lentos.
Sopa de parásitos es parte de una serie de experimentos de audio producidos y transmitidos a través de mi proyecto Radio Parazit. Radio Parazit, «Parasite Radio», contiene y transmite mis exploraciones en torno a «Diasporic Imaginaries», creado inicialmente para Off-Site a través de indicaciones, debates, conexiones y ubicaciones. A través de una serie de transmisiones radiales experimentales, pienso y comparto en voz alta experiencias, pensamientos y esperanzas con material derivado de historias personales plasmadas en exploraciones artísticas y acústicas. Mi voz, sin embargo, no es singular. En cambio, sugiero una perspectiva singular de una constelación de voces que he encontrado a lo largo de los años. Estas voces han dado forma a la mía y han acortado la distancia entre los sujetos y lugares que construyen mi propia experiencia diaspórica en este mundo.

Nicolás Kisic Aguirre es un arquitecto y artista sonoro transdisciplinario que crea máquinas que exploran e iluminan la naturaleza social y política del sonido en el espacio público. Informado por su experiencia en arquitectura y una fascinación de toda la vida por las máquinas, Kisic Aguirre diseña y construye instrumentos de sonido que exploran la conexión entre el espacio público, el poder, la tecnología y el sonido. Su práctica crítica y estética es de código abierto, colaborativa y profundamente comprometida con el público.

El Observatorio

Rechazar, 2023

REFUSE fue una exposición intermedia que se basa en las influencias pasadas y presentes de la banda, reuniendo sus intereses en hongos y redes de micelio para explorar las ideas gemelas de descomposición y composición desde perspectivas biológicas y musicales. La presentación comprendió un archivo y espacio de instalación basado en el tiempo, y habla de las metodologías en constante evolución de The Observatory, las comunidades que los rodean, así como el papel que desempeñamos en la escena musical de Singapur.
Una documentación en video que sirva como una especie de cuerpo fructífero de esta exposición y como una obra de arte propia se presentará para la presentación de la Bienal en Parola en Manila. El elemento sonoro del video comprende varios métodos de sonificación de hongos para ser percibidos como una narración entre especies, una especie de composición a través de la descomposición.
Por separado para la Bienal de Escucha, proponemos presentar la documentación de audio de una de las estaciones en REFUSE. En los viejos formatos de reproducción de audio (como las cintas de casete y los CD), habíamos observado que los hongos, en forma de moho, siempre habían hecho su presencia simbiótica con la cinta o el CD. Esta colaboración resultante con el audio grabado generalmente creaba una remezcla completamente nueva del material. En el medio digital actual, hemos excluido con bastante éxito la capacidad de colaboración de los hongos. Para este trabajo, adoptamos un enfoque especulativo para reintroducir la colaboración de los hongos con los medios digitales. Las señales bioeléctricas obtenidas de un frasco de hongos Ganoderma sp en crecimiento se enviaron a través de una lista de reproducción seleccionada de la discografía de The Observatory. Con esto, el hongo era libre de remezclar y pinchar esta lista de reproducción a su gusto ecléctico. Como la discografía de la banda abarca un período de más de 20 años con trayectorias de género variadas, se puede anticipar el contraste entre el ruido meditativo y el extremo.

The Observatory, lejos de ser silencioso y objetivo como sugiere su nombre, es una banda cuya música y espíritu cultural es responder y responder a las aflicciones contemporáneas en Singapur y el entorno global. Su constelación actual comprende a los multi-instrumentistas Cheryl Ong, Dharma y Yuen Chee Wai que pisan la improvisación, la experimentación intermedia y los territorios adyacentes al ruido. Al enfrentarse a nuevas formas de desórdenes, El Observatorio se vuelve inquieto sobre sí mismo para agitar, consolar y resistir. Basándose en léxicos antiguos y nuevos, El Observatorio busca unir artistas y expresiones. Dos décadas después, la práctica polímata de la banda abarca la música y la interpretación; festivales presenciales y programas de radio en línea; giras de conciertos y exposiciones interdisciplinarias.

Zorka Wollny

Slopiewnie (con Anna Szwajgier), 2010

“Slopiewnie” se inspiró en las tradiciones eslavas de la noche del solsticio (Ivan Kupala night) y se realizó en colaboración con el grupo de estudiantes. La actuación se estrenó en el sitio del lago en Jelenia Góra y luego se representó en la sala vacía del centro comercial en Poznan, a la medianoche del solsticio de verano, como parte del Festival de Teatro de Verano de Malta. El público estaba sentado en la oscuridad, rodeado de veinte artistas. “Existe la creencia de que la víspera de Ivan Kupala es la única época del año en que florecen los helechos. La prosperidad, la suerte, el discernimiento y el poder le suceden a quien encuentra una flor de helecho. Por lo tanto, en esa noche, la gente del pueblo deambula por los bosques en busca de hierbas mágicas, y especialmente, la escurridiza flor de helecho. Tradicionalmente, las mujeres solteras, representadas por las guirnaldas en el cabello, son las primeras en ingresar al bosque. son para seguido por los jóvenes…”.

Nacido en 1980 en Cracovia, Polonia. Vive y trabaja en Berlín, Alemania. Sus obras funcionan en el límite entre la música y las artes visuales y están estrictamente relacionadas con la arquitectura. Ella colabora, a modo de directora, con músicos, actores y bailarines, y siempre también con miembros de las comunidades locales. Ha presentado sus proyectos a.o. en la Bienal de Arquitectura de Chicago (2019), Steirischer Herbst Festival (2019), Teatro Hebbel am Ufer en Berlín (2018), Festival CTM en Berlín (2020, 2018, 2015), Savvy Contemporary en Berlín (2017, 2016), De Appel en Amsterdam (2017), Heroines of Sound Festival en Berlín (2017), International Studio & Curatorial Program en Nueva York (2017), entre otros.
Entre 2004 y 2011 (antes de mudarse a Berlín) colaboró frecuentemente con la compositora Anna Szwajgier. “Nuestras composiciones eran puramente acústicas. No utilizamos ningún equipo electrónico ni amplificación de altavoces. En nuestra práctica estábamos explorando sonidos provenientes de la vida cotidiana: ruidos hechos por el cuerpo humano, objetos, aquellos creados involuntariamente al realizar actividades más o menos casuales como conversar, caminar, reír, masticar, suspirar, frotarse cosas entre sí. Lo que más nos interesó es cómo tales acciones, cuando son realizadas por un grupo de personas, cambian la calidad del sonido de lo obvio a lo indefinible. Cómo el timbre se convierte en un factor dominante. También utilizábamos muchos instrumentos atípicos, objetos que normalmente se utilizan para fines distintos a la producción de sonido: azadas, zapatos de tacón alto, bolas, tubos de plástico, cuentas…

Instituciones, espacios y colectivos participantes:

Centro de Arte de Beirut (Beirut); Sonic Spaces (El Cairo); Space21 (Kurdistán); Espacio Bakeriya (Colombo); Instituto Goethe/Max Mueller Bhavan (Calcuta); Galería de Bellas Artes de la Universidad de Filipinas (Manila); Comunidad de artistas de Alitaptap (Cavite, Filipinas); Universidad de Silpakorn (Bangkok); Universidad Multimedia de Malasia (Kuala Lumpur); Instituto Camões (Tokio); bolsillo de sonido (Hong Kong); Cultura Jalisco (México); SomaRumor (Río de Janeiro); CASo – Centro de Arte Sonoro (Buenos Aires); Secretaría Municipal de Culturas La Paz. (Bolivia); Tsonami Arte Sonoro (Valparaíso); Cuerpos Errantes (Berlín); Galería Quadrum; Hangar; Antecámara; brotería; Libros Robados (Lisboa); AMEE (Madrid); Lydgalleriet (Bergen); Escuchar Galería (Glasgow); Centro de Descontaminación Cultural con Radio Belgrado (Belgrado); Amek x Easterndaze (Varna, Bulgaria); L’École d’art de la Université Laval (Ciudad de Quebec); Museo de Arte Contemporáneo (Toronto); Müze Gazhane (Estambul).

Organiza

Agradecimientos a
Embajada de Brasil en Bolivia, Brandon LaBelle y todo el equipo internacional de la Listening Biennial
Créditos edición 2023
Curadorxs
Luísa Santos (Portugal), Rayya Badran (Líbano), Dayang Yraola (Filipinas) y Guely Morató (Bolivia)
Coordinación
Víctor Mazón Gardoqui
Gestión y Producción
Par Mil Productora Artística
Registro audiovisual
Valery Vargas y  Víctor Mazón Gardoqui
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